LAMBERT ESCALER

LAMBERT ESCALER

por | Jul 4, 2025 | Antigüedades, Arte, Biografias

LAMBERT ESCALER

Francesc Escaler, dama modernista, Antiguedades Riera

Lambert Escaler y el arte cotidiano del modernismo

 Contexto histórico y formación
Lambert Escaler i Milà (Vilafranca del Penedès, 1874 – Barcelona, 1957) fue un artista polifacético vinculado al modernismo catalán. Formado bajo Josep Campeny, inició su trayectoria en el realismo anecdótico y el teatro; luego se consolidó como escultor modernista de terracota policromada. Complementó su producción con escenografía, restauración de dioramas, capgrossos y piezas arquitectónicas.

Terracota policromada: técnica, temática y estilo
La pieza clave de Escaler son sus bustos femeninos en terracota policromada, realizados hacia 1900–1905. Utilizaba moldes y aplicaba policromía artesanal a mano, lo que le permitió reproducir múltiples versiones sin perder personalidad.

Características definitorias:

  • Material y técnica: terracota y estuco, policromía variada, esquemática en tonos suaves o contrastados.

  • Temática: jóvenes de cabelleras ondulantes, con flores, sulfismo simbolista, reminiscencias de Loïe Fuller y motivos “dona‑flor” del Art Nouveau.

  • Estilo: líneas sinuosas y asimetrías intencionadas, rostros enigmáticos, ensoñación lírica; piezas táctiles, casi fetichistas.

  • Sentido estético: pese a su sensualidad, mantiene un matiz moderado moralmente, propio del modernismo catalán.

Obras representativas del MNAC
El Museu Nacional d’Art de Catalunya conserva varias obras clave, disponibles digitalmente:

  • Jardinera (c. 1901): terracota policromada, 27×40×23 cm.

  • Figura femenina (c. 1903): 45×21×24 cm.

  • Rostro femenino (c. 1903): 32×24×15 cm.

  • Busto femenino con espejo (c. 1903): 35×60×30 cm. Incorpora un espejo que sugiere experimentación y funcionalidad estética.

Estas piezas evidencian la estética modernista funcional, decorativa y ornamental que representó Escaler.

Dimensión decorativa y escenográfica
Escaler exploró la frontera entre escultura y artes aplicadas. Sus relieves arquitectónicos aparecen en edificios como el cinema Sala Reus (1908-09) o la Font Màgica de Manresa (1912). Además, diseñó dioramas, capgrossos (Vilanova i la Geltrú, 1949) y pesebres, combinando arte teatral y objeto doméstico.

Valor artístico y mercado actual
Escaler aportó una visión accesible del arte. Su versatilidad (escena, escultura, decoración) lo posiciona como un referente de las artes aplicadas modernistas. Aunque menos conocido que otros artistas de su época, sus obras de terracota siguen presentes en museos como el Museu del Modernisme y el MNAC, y tienen una presencia constante en el mercado de arte y subastas.

Propuesta de análisis contextual
Para enriquecer el enfoque en un blog especializado, se puede desarrollar:

  1. Un análisis técnico de sus moldes y técnicas de policromía.

  2. Una comparación con otros artistas figurativos modernistas catalanes y europeos.

  3. Una reflexión sobre su papel en la democratización del arte decorativo.

  4. Un recorrido virtual por el MNAC para contextualizar visualmente sus obras.

Conclusión
Lambert Escaler i Milà representa una forma de modernismo íntimo y doméstico. A través de bustos femeninos, objetos decorativos y una sensibilidad escénica, su obra recoge el espíritu de las artes aplicadas del siglo XX. Es una figura menos conocida pero fundamental en la historia del arte modernista catalán.

JOAN GARDY ARTIGAS

JOAN GARDY ARTIGAS

por | Jul 4, 2025 | Antigüedades, Arte, Biografias

JOAN GARDY ARTIGAS

Jarrón, Antiguedades Riera

Joan Gardy Artigas: La Cerámica como Arte Total

Resumen
Joan Gardy Artigas (n. Boulogne-Billancourt, 1938) es una de las figuras más singulares del arte catalán contemporáneo. Hijo del ceramista Josep Llorens Artigas y colaborador directo de grandes maestros como Joan Miró o Georges Braque, ha sabido construir un lenguaje plástico propio que combina tradición cerámica, escultura monumental y abstracción poética. Este artículo revisa su trayectoria, sus vínculos con las vanguardias europeas y su legado como renovador de la cerámica artística en el siglo XX.

1. Herencia y formación entre fuego y barro

Nacido en el seno de una familia profundamente vinculada a la cerámica artística, Joan Gardy Artigas creció entre los hornos, esmaltes y talleres que su padre compartía con artistas de renombre internacional. Su infancia estuvo marcada por las colaboraciones de Llorens Artigas con Miró y Picasso, lo que le permitió, desde muy joven, vivir la cerámica no como un oficio menor, sino como un vehículo de expresión moderna y total.

Estudió en la École des Beaux-Arts de París y en la École du Louvre, y completó su formación en Estados Unidos. Este periplo internacional le proporcionó una visión abierta y multidisciplinar del arte, alejada de la noción tradicional de artes menores.

2. La cerámica como lenguaje contemporáneo

Aunque vinculado inicialmente al universo de Miró —participando como asistente en grandes proyectos como el mural de la UNESCO en París (1957) o los murales del aeropuerto de Barcelona— Gardy Artigas pronto se desmarcó de la herencia paterna y buscó su propia voz artística.

En sus obras individuales, la cerámica se libera de su función utilitaria para convertirse en un lenguaje plástico autónomo. Utiliza el barro, el fuego y los esmaltes como recursos expresivos para construir formas abstractas, totémicas o fragmentadas, muchas veces en diálogo con la arquitectura y el paisaje.

Sus esculturas cerámicas exploran texturas, contrastes de superficies, vacíos y equilibrios precarios, en una línea que recuerda tanto la escultura posminimalista como la tradición mediterránea.

3. Diálogo con los grandes: de Miró a Chillida

Joan Gardy Artigas mantuvo una estrecha relación profesional con artistas fundamentales del siglo XX. Aparte de su colaboración prolongada con Joan Miró, trabajó con Georges Braque, desarrollando cerámicas y murales en un juego refinado entre color, superficie y simbolismo.

También estableció vínculos creativos con Eduardo Chillida, con quien compartía una preocupación por el espacio y la materialidad. En todos estos casos, Gardy Artigas asumía un rol doble: artesano y artista, colaborador técnico y creador en sí mismo. Esta ambivalencia entre ejecución y autoría define gran parte de su trayectoria.

4. Obra pública y escultura monumental

Una de las dimensiones más relevantes de su carrera ha sido su implicación en proyectos de gran escala: murales, plazas, fuentes y esculturas urbanas. Su trabajo en cerámica y hormigón puede verse en espacios públicos de Barcelona, Sitges, Palma, Frankfurt o Sapporo.

Particularmente emblemática es su intervención en el Parc del Mil·lenari de Sant Just Desvern o sus grandes relieves cerámicos, donde combina técnicas tradicionales con una sensibilidad contemporánea para el entorno y la materia.

5. Taller, docencia y legado

Gardy Artigas ha defendido siempre la importancia del taller como espacio de experimentación y transmisión de saberes. Desde su estudio en Gallifa —el mismo en el que trabajaron su padre y Miró— ha formado a nuevas generaciones de ceramistas y artistas visuales. Su defensa de la cerámica como disciplina artística plena ha sido constante, tanto en su obra como en su labor pedagógica.

Su reconocimiento institucional se ha consolidado a través de exposiciones individuales en museos y centros como el MACBA, el Musée de Sèvres o el Museo Nacional de Cerámica de Valencia. En 2023, una exposición retrospectiva en la Fundació Vila Casas repasó sus seis décadas de trabajo con piezas inéditas y documentos del archivo familiar.

6. Conclusión: materia, fuego y memoria

Joan Gardy Artigas es una figura clave para entender la transformación de la cerámica en el siglo XX: de oficio tradicional a lenguaje plástico radical. Su obra representa un punto de cruce entre modernidad y legado, entre materia y poesía, entre el gesto individual y el arte monumental.

Más que un ceramista, Gardy Artigas es un escultor del fuego, heredero de la vanguardia, pero también profundamente enraizado en la cultura material mediterránea. Su trabajo demuestra que el barro, en manos de un artista visionario, puede adquirir una densidad simbólica y estética equiparable a cualquier medio de la alta cultura contemporánea.

Bibliografía esencial

  • Gardy Artigas, J. (2006). Foc i Terra: 50 anys de ceràmica. Fundació Caixa Catalunya.

  • Llorens, T. (1994). L’art del foc: Miró, Artigas, Gardy Artigas. Museu Nacional d’Art de Catalunya.

  • Alcolea, S. (2023). Joan Gardy Artigas: Escultures i ceràmiques 1960–2020. Fundació Vila Casas.

  • Chillida, E., & Gardy Artigas, J. (1999). Conversaciones sobre el vacío. Ed. Cercle d’Art.

EL TAPIZ REPOSTERO

EL TAPIZ REPOSTERO

por | Jul 4, 2025 | Antigüedades, Arte, Historia

EL TAPIZ REPOSTERO

Tapiz repostero siglo XVIII, Antigüedades Riera

Los tapices reposteros españoles: arte textil, simbolismo y tradición ceremonial

Resumen
Los tapices reposteros, también conocidos simplemente como reposteros, forman parte esencial del patrimonio textil español. Estas piezas de gran formato, utilizadas tradicionalmente en celebraciones religiosas, actos oficiales y manifestaciones de poder, constituyen un testimonio visual de la identidad heráldica y ceremonial de instituciones civiles, eclesiásticas y nobiliarias. Su estudio ofrece una visión integral del desarrollo del arte textil en España, así como de la función simbólica de la imagen y el tejido en contextos rituales.

1. Definición y características
El repostero es un tapiz de carácter ornamental y representativo, de forma rectangular o cuadrada, concebido para ser exhibido de forma vertical en muros, balcones, ventanas o fachadas durante celebraciones solemnes. Su elemento central suele ser un escudo de armas, un emblema institucional o un símbolo religioso, acompañado frecuentemente de cenefas, cartelas o elementos decorativos bordados o aplicados.

Se diferencia de los tapices narrativos por su función simbólica y su contenido estrictamente heráldico o identitario.

2. Origen y desarrollo histórico

2.1 Edad Media y consolidación nobiliaria
Aunque el uso de tejidos colgantes en contextos rituales se remonta a la Antigüedad, el repostero como tal tiene sus primeras manifestaciones definidas en la Baja Edad Media. En los siglos XIV y XV, con la consolidación de los linajes nobiliarios y las corporaciones urbanas, se vuelve común la exhibición de escudos en telas bordadas para ceremonias públicas, procesiones y visitas reales.

2.2 Siglos de Oro: institucionalización ceremonial
Durante los siglos XVI y XVII, los reposteros se convierten en elementos habituales en la liturgia cívica y religiosa. Las catedrales, monasterios, ayuntamientos y palacios incorporan reposteros como parte esencial de su ajuar ceremonial. El esplendor barroco refuerza el gusto por la ostentación, y estas piezas adquieren mayor riqueza técnica y simbólica.

2.3 Época contemporánea
En los siglos XIX y XX, aunque el uso protocolario disminuye, los reposteros se mantienen en celebraciones religiosas populares, especialmente en el ámbito de las cofradías, y en actos institucionales. En la actualidad, muchas entidades conservan reposteros históricos o encargan nuevas piezas inspiradas en modelos antiguos, como parte de la recuperación del patrimonio festivo.

3. Técnicas y materiales
Los reposteros se elaboran con técnicas diversas según su época y función:

  • Tejidos de base: lana, lino, algodón, damasco o terciopelo.

  • Decoración: bordados a mano con hilo de seda, oro o plata; aplicaciones textiles; pintura sobre tela en versiones más económicas.

  • Estructura: suelen tener refuerzos en los bordes, trabillas o anillas para su sujeción.

El escudo o emblema central se trabaja con especial esmero, utilizando puntos de bordado complejos y materiales nobles en los reposteros de alta categoría.

4. Funciones y usos

4.1 Representación del poder
Los reposteros son una manifestación visible del poder y la autoridad. Al exhibir un escudo nobiliario, real, episcopal o municipal, no solo decoran el espacio, sino que proyectan la presencia simbólica de la institución representada.

4.2 Función ceremonial
Su uso está ligado a celebraciones de especial relevancia:

  • Fiestas religiosas (Corpus Christi, Semana Santa, patronos locales).

  • Actos cívicos (fiestas mayores, visitas oficiales, proclamaciones).

  • Ceremonias fúnebres o conmemorativas.

Durante estos eventos, los reposteros visten las fachadas de edificios públicos, iglesias, balcones y calles, transformando el espacio urbano en un escenario de solemnidad y simbolismo.

4.3 Identidad colectiva
Cada repostero refleja una identidad concreta: la de una hermandad, una ciudad, una familia o una orden religiosa. Su conservación y uso contemporáneo refuerzan el sentimiento de pertenencia y continuidad histórica.

5. Conservación y restauración
Debido a su tamaño, exposición al aire libre y manipulación frecuente, los reposteros requieren especiales cuidados:

  • Almacenamiento en condiciones controladas de humedad y temperatura.

  • Limpieza periódica por profesionales.

  • Restauraciones textiles, especialmente en bordados, colores y sistemas de sujeción.

En muchos casos, las instituciones optan por realizar réplicas modernas para el uso festivo, reservando los originales para exposiciones o conservación museográfica.

6. Valor patrimonial y simbólico
Más allá de su valor estético, los reposteros son testigos de la historia visual de España. Representan la articulación entre arte, liturgia, poder y sociedad. Su análisis revela no solo técnicas textiles, sino también estructuras simbólicas, códigos heráldicos y formas de representación colectiva.

En el contexto actual, su presencia en fiestas tradicionales, museos y archivos contribuye a mantener viva una de las expresiones más singulares del arte ceremonial español.

 

EL MUEBLE DE TORROELLA

EL MUEBLE DE TORROELLA

por | Jul 4, 2025 | Antigüedades, Historia

EL MUEBLE DE TORROELLA EN EL SIGLO XVIII

Canterano o secreter de Torroella, siglo XVIII

El mueble de Torroella de Montgrí en el siglo XVIII

Contexto histórico y social
Durante el siglo XVIII, Torroella de Montgrí vivió una etapa de recuperación económica y consolidación de la burguesía rural. Esta transformación se reflejó en la arquitectura doméstica y, de forma destacada, en el mobiliario. Las casas señoriales y las residencias acomodadas del Empordà adoptaron formas decorativas refinadas, a medio camino entre la tradición popular y las corrientes estilísticas procedentes de Francia y el interior de Cataluña.

Rasgos estilísticos generales
El mobiliario de Torroella presenta un lenguaje decorativo sobrio pero elegante. Su diseño equilibra la funcionalidad propia del ámbito rural con una ornamentación contenida que alude al barroco tardío y al rococó. Predominan las líneas rectas suavizadas por molduras, marquetería de tipo geométrico o vegetal y detalles realizados en boj o bronce.

Técnicas y materiales
Los muebles eran fabricados mayoritariamente con maderas locales, especialmente nogal, olmo y, en algunos componentes interiores, álamo o chopo. El uso del boj era habitual para piezas ornamentales como escudos, rosetones, filetes decorativos y tiradores.

En cuanto a técnicas constructivas, se empleaban ensamblajes tradicionales como colas de milano, refuerzos en espiga y estructuras macizas de gran durabilidad. La marquetería, si bien más discreta que en zonas urbanas, se aplicaba con habilidad en puertas, tapas de escritorios y frentes de cajones.

Tipologías principales
Escritorios (escriptoris): Piezas voluminosas con tapa abatible, compartimentos internos, cajoneras y decoraciones finas en boj. Se destinaban a tareas administrativas y escritura.
Cómodas y aparadores: De estructura robusta, solían contar con dos o tres cajones de gran capacidad, rematados por molduras talladas y tiradores ornamentales.
Armarios guarda-roba: De gran tamaño, usados para almacenamiento de ropa y utensilios, presentaban puertas con plafones decorados, herrajes de hierro forjado y patas robustas.
Mesas y bancos: Más sobrios, pensados para el uso cotidiano, aunque en las casas de mayores recursos se añadían detalles decorativos en los pies y tableros.

Influencias estilísticas
La cercanía de Torroella al Rosellón y al sur de Francia facilitó la llegada de formas decorativas propias del rococó rural. Estas se adaptaron a un contexto más contenido y funcional, lo que dio lugar a un estilo propio: elegante, con cierto refinamiento, pero sin renunciar a la practicidad. Las influencias catalanas urbanas, especialmente de Barcelona, también se reflejan en la organización estructural de ciertos muebles.

Función social del mueble
El mueble en Torroella no era sólo un elemento funcional. Reflejaba el estatus del propietario, especialmente en las casas burguesas o de pequeños propietarios agrícolas con medios. Las piezas eran encargadas a artesanos locales, a menudo mediante talleres familiares que mantenían patrones tradicionales heredados.

Valor patrimonial
Hoy en día, el mueble de Torroella del siglo XVIII se considera una manifestación distintiva del mobiliario empordanés. Representa un equilibrio entre tradición y refinamiento, con una fuerte raíz local. Su conservación y estudio es fundamental para entender el desarrollo material y cultural de las comunidades rurales catalanas en la Edad Moderna.

 

ROMANTICISMO EMOCIONA

ROMANTICISMO EMOCIONA

por | Jul 2, 2025 | Arte, Historia

ROMANTICISMO: EL ARTE DE SENTIR LO SUBLIME

Lluís Rigalt, Ruinas (1865)

La Pintura Romántica Catalana del Siglo XIX: Entre la Melancolía, el Nacionalismo y la Modernidad

Un Romanticismo con acento catalán
Durante el siglo XIX, la pintura catalana vivió una transformación radical. De una práctica todavía dominada por cánones académicos y temas religiosos, pasó a abrazar el espíritu romántico europeo: la exaltación de los sentimientos, el interés por lo medieval, el paisaje como metáfora del alma, y una mirada nostálgica hacia la identidad nacional.

Si bien el romanticismo catalán compartió muchas de las inquietudes estilísticas y temáticas del movimiento en el resto de Europa, tuvo también una particularidad marcada por su contexto político y cultural. La emergencia del catalanismo, el redescubrimiento del pasado medieval, y el auge de la burguesía barcelonesa dieron lugar a una corriente pictórica única, entre lo local y lo universal.

Contexto cultural: entre el liberalismo y la Renaixença
El Romanticismo llegó a Cataluña en un momento de tensiones políticas y sociales: la guerra del francés, las guerras carlistas, y los procesos de modernización e industrialización crearon un caldo de cultivo para una sensibilidad artística nueva. En este marco surgió la Renaixença, un movimiento cultural que promovía la recuperación de la lengua y la historia catalanas, y que tuvo una enorme influencia en las artes visuales.

Los pintores románticos catalanes, aunque no formaron una escuela homogénea, compartieron un interés por los temas históricos, el paisaje emocional y la figura heroica o melancólica como reflejo de la lucha individual y colectiva.

Temáticas clave del Romanticismo catalán

1. El pasado medieval catalán
Inspirados por la recuperación histórica que promovía la Renaixença, muchos artistas representaron episodios de la Edad Media catalana: escenas de castillos, caballeros, monjes y reyes. Estas obras pretendían tanto educar como emocionar, exaltando los valores del honor, la fidelidad y el patriotismo.

2. La figura heroica y la emoción individual
Los retratos de mártires, exiliados, poetas y héroes legendarios aparecen una y otra vez, envueltos en atmósferas tenebrosas o introspectivas. La figura humana, solitaria y expresiva, se convierte en espejo de una interioridad desgarrada.

3. El paisaje como proyección del alma
Los paisajes dejan de ser meros fondos para convertirse en protagonistas cargados de emoción. Montañas solitarias, ruinas góticas, tormentas o crepúsculos simbolizan el estado anímico del artista o del pueblo.

Artistas destacados

Claudi Lorenzale (1814–1889)
Figura clave del romanticismo pictórico catalán, Lorenzale combinó la influencia del nazarenismo alemán con la exaltación del pasado medieval catalán. Fue maestro de una generación entera en la Escuela de la Llotja de Barcelona. Obras como Doncellas catalanas ante la tumba de su padre ejemplifican su interés por la épica, el simbolismo y la pureza formal.

Lluís Rigalt (1814–1894)
Uno de los mejores paisajistas del siglo XIX en España. Su estilo, profundamente romántico, explora la melancolía del paisaje solitario y ruinoso. También ilustró numerosas publicaciones vinculadas a la Renaixença, como La Ilustració Catalana.

Ramón Martí Alsina (1826–1894)
Aunque más tarde evolucionó hacia un realismo académico, en su primera etapa Martí Alsina cultivó el romanticismo en obras históricas y paisajes cargados de dramatismo. Su ambición fue modernizar la pintura catalana conectándola con las grandes corrientes europeas.

Josep Armet i Portanell, Joaquim Espalter o Pelegrí Clavé
Otros nombres menos populares, pero fundamentales para entender el eclecticismo del romanticismo catalán, con influencias que van desde el neoclasicismo hasta el prerrafaelismo.

Estética y técnicas
La pintura romántica catalana se caracteriza por una paleta sobria, con claroscuros marcados, pinceladas expresivas y composiciones dramáticas. La técnica del óleo sobre lienzo fue la más común, aunque muchos artistas también trabajaron en papel, realizando dibujos, aguadas o ilustraciones para publicaciones culturales y libros de historia.

Legado y proyección
La importancia del romanticismo catalán en el siglo XIX fue más cultural que comercial. Su valor radicó en haber sembrado las bases de una conciencia artística y nacional propia, que más tarde sería fundamental para el Modernisme catalán. Hoy, sus obras pueden verse en instituciones como el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) o el Museu del Romanticisme Català.

Más allá de su estética, la pintura romántica catalana nos ofrece una ventana a un tiempo de búsqueda identitaria, donde el arte fue instrumento de expresión emocional, ideológica y espiritual.

Conclusión
La pintura romántica catalana del siglo XIX representa un cruce entre el arte y la historia, entre el alma individual y el destino colectivo. Sus artistas, a menudo olvidados en el relato nacional español, merecen una relectura a la luz de su capacidad para retratar con intensidad y belleza los sueños, temores y esperanzas de una Cataluña en transformación.